Dalla pittura rinascimentale alle sperimentazioni del Novecento, fino alla fotografia e alle nuove ricerche figurative. Il catalogo Catawiki attraversa cinque secoli di storia dell’arte, con opere di Giorgio de Chirico, Alberto Burri, Agostino Bonalumi, Pablo Picasso e Cindy Sherman. Una selezione da esplorare tra linguaggi, generazioni e differenti fasce di mercato.
Cinque secoli di storia dell’arte, dalla tradizione rinascimentale alle ricerche contemporanee. È questo l’arco temporale attraversato dalla selezione proposta da Catawiki, che riunisce pittura, grafica e fotografia in un catalogo eterogeneo per epoche, linguaggi e valori economici. Accanto ai protagonisti del Novecento italiano, come Giorgio de Chirico, Alberto Burri e Agostino Bonalumi, trovano spazio la fotografia di Cindy Sherman e Aurelio Amendola, la grafica di Pablo Picasso e le esperienze figurative più recenti.
Una proposta che permette di osservare opere molto diverse tra loro, dalle tele uniche alle edizioni numerate, e che invita a considerare non soltanto la notorietà degli artisti, ma anche la specificità dei singoli lavori.
Giorgio de Chirico e il dialogo con la tradizione
Tra i lotti di maggiore rilievo figura Meriggio al convento (1938) di Giorgio de Chirico, olio su tela di 39,2 × 61 cm, presentato con una stima di 100.000-200.000 euro. L’opera, firmata in basso a destra, risulta archiviata presso la Fondazione Giorgio e Isa de Chirico con il numero 006/01/26 OT.
Realizzato in una fase successiva alle prime esperienze metafisiche, il dipinto testimonia il rinnovato interesse dell’artista per la tradizione pittorica italiana. La composizione è dominata dall’architettura monumentale, organizzata attraverso una rigorosa costruzione prospettica. La luce definisce i volumi e accentua il silenzio di uno spazio che sembra sottratto allo scorrere del tempo.
Pur allontanandosi dalle formulazioni più celebri della prima stagione metafisica, de Chirico conserva quella capacità di trasformare la rappresentazione di un luogo in un’immagine enigmatica. La veduta diventa così uno spazio mentale, dove memoria, classicità e contemplazione convivono.
Il richiamo alla tradizione trova un interessante contrappunto in un altro lotto del catalogo, una Madonna dei Garofani, dipinto della scuola italiana del XVI secolo, realizzato da un autore non identificato che si ispira alla celebre composizione di Raffaello Sanzio, oggi conservata alla National Gallery di Londra. L’opera è proposta con una stima di 3.300-3.700 euro.
Il dipinto, un olio su tela di 70,5 × 52 cm, riprende l’impianto iconografico raffaellesco. La Vergine e il Bambino sono raffigurati in un momento di intimità domestica, mentre il garofano introduce il riferimento simbolico alla futura Passione di Cristo.
L’opera documenta la fortuna dei modelli di Raffaello e la loro diffusione nella pittura italiana. La scheda segnala precedenti interventi di restauro, tra cui l’ampliamento della tela su tre lati, e la presenza di documentazione del Ministero della Cultura. Elementi che rendono particolarmente importante, per il collezionista, l’esame della storia conservativa e dei documenti che accompagnano il dipinto.
Burri e Bonalumi: quando la superficie diventa protagonista
Un altro nucleo significativo della selezione riguarda le ricerche italiane del secondo dopoguerra, con due artisti che hanno contribuito a ridefinire il concetto stesso di superficie pittorica: Alberto Burri e Agostino Bonalumi.
Di Burri viene proposta Combustione 6, acquaforte e acquatinta del 1965 su carta Fabriano Rosaspina, con una stima di 8.000-10.000 euro. L’esemplare, firmato a matita e numerato 68/80, appartiene a una tiratura di ottanta copie ed è documentato nella bibliografia dedicata all’opera grafica dell’artista.
La grafica rappresenta un capitolo importante della ricerca di Burri, permettendo di osservare come l’indagine sulla materia, centrale nei suoi Sacchi, Combustioni e Plastiche, trovi una diversa espressione attraverso le tecniche incisorie. La superficie stampata diventa un campo di sperimentazione autonomo, nel quale segno, profondità e rapporti cromatici acquistano un particolare rilievo.
Differente, ma altrettanto radicale, è l’approccio di Bonalumi, presente con Bianco, opera unica di 51 × 57 cm in carta estroflessa e tempera vinilica, con una stima di 6.000-7.000 euro. Il lavoro è indicato come archiviato presso l’Archivio Bonalumi.
Nelle estroflessioni dell’artista milanese, la superficie supera la propria bidimensionalità e si trasforma in un organismo plastico. Sono la luce e le ombre prodotte dai rilievi a modificare continuamente la percezione dell’opera, instaurando un rapporto diretto con lo spazio circostante.
Due percorsi distinti che raccontano una delle trasformazioni decisive dell’arte del Novecento: il superamento della pittura intesa come semplice rappresentazione.
Picasso e il collezionismo della grafica
Il catalogo comprende anche Margot di Pablo Picasso, proposta con una stima di 8.000-9.000 euro.
Secondo la scheda, il lotto appartiene a un’edizione di cento esemplari firmati, pubblicata dalla Sala Gaspar nel 1966, ed è accompagnato dal certificato dell’editore. Vengono inoltre segnalate minime tracce di foxing.
La presenza di Picasso richiama l’attenzione sul mercato della grafica d’autore, un settore nel quale la tiratura, la firma, la documentazione e lo stato conservativo assumono un peso determinante. Nel caso di artisti dalla produzione particolarmente articolata, come Picasso, la corretta identificazione dell’edizione è essenziale per comprendere la collocazione dell’opera all’interno del percorso dell’autore.
Cindy Sherman e Aurelio Amendola: la fotografia tra identità e memoria
La fotografia occupa un posto significativo nella selezione, con due proposte molto differenti per linguaggio e intenzioni.
La prima è Untitled (Head Shots triptych) di Cindy Sherman, con una stima di 4.500-5.400 euro. Il trittico riunisce tre immagini realizzate nel 2000 e pubblicate da Avant Arte nel novembre 2025, in un’edizione limitata di 629 esemplari. Le stampe, C-print digitali su carta Fujicolor Crystal Archive Type DPII, sono accompagnate da certificato di autenticità.
Le fotografie appartengono all’universo delle Head Shots, una serie nella quale Sherman interpreta aspiranti attrici davanti all’obiettivo, appropriandosi dei codici del ritratto promozionale hollywoodiano.
Come in gran parte della sua produzione, l’artista utilizza il proprio corpo per mettere in discussione i meccanismi di costruzione dell’identità. Espressioni, pose e artifici fotografici diventano strumenti attraverso i quali indagare stereotipi, aspettative sociali e rappresentazione femminile.
Particolarmente interessante è la vicenda delle tre immagini, provenienti dalla prima sessione fotografica della serie e rimaste inedite per venticinque anni. La loro pubblicazione nel 2025, a sostegno del Museum of Cycladic Art, introduce anche una distinzione importante per il mercato: quella tra la data dello scatto e quella dell’edizione.
Di tutt’altra natura è Andy Warhol, New York, The Factory, fotografia di Aurelio Amendola proposta con una stima di 15.000-18.000 euro.
La stampa, realizzata nel 2019 su carta Lambda Fuji opaca nel formato di 70 × 70 cm, appartiene a un’edizione di 49 esemplari numerati, oltre a tre prove d’artista.
Amendola ha dedicato una parte significativa della propria attività al ritratto dei protagonisti dell’arte contemporanea, costruendo un archivio fotografico che è anche una testimonianza della cultura artistica del Novecento. Il ritratto di Warhol nella Factory di New York acquista così un duplice significato: documento di un incontro e opera fotografica autonoma.
La scheda riporta riferimenti cronologici differenti per lo scatto originale, da verificare nella documentazione dell’opera.
La nuova figurazione: Bertermann e REBOR
Il percorso si conclude con due proposte contemporanee che, attraverso linguaggi differenti, riportano l’attenzione sulla figura e sulla percezione.
Going Dutch (2026) di Claus Bertermann è un grande dipinto di 150 × 200 cm, realizzato in acrilico e pastello a olio su tela, con una stima di 10.000-12.000 euro.
La scena raffigura una coppia seduta su un divano rosso, con un bicchiere e due cannucce a separare e collegare i protagonisti. Il titolo richiama l’espressione inglese going Dutch, ovvero dividere il conto, trasformando un episodio quotidiano in una riflessione sulle dinamiche delle relazioni.
Colori intensi, linee marcate e una figurazione di ascendenza espressionista caratterizzano questa nuova fase della ricerca di Bertermann, avviata nel 2026 dopo una produzione prevalentemente astratta.
Un’altra direzione è rappresentata da The Remains di Marco Abrate, conosciuto come REBOR, con una stima di 1.000-1.200 euro.
Nato nel 1996, l’artista sviluppa una ricerca che attraversa arte urbana, memoria e percezione visiva. Al centro del suo lavoro si trova la pareidolia, il fenomeno che porta a riconoscere immagini familiari in forme casuali. Superfici e frammenti diventano così luoghi nei quali lo sguardo ricostruisce presenze e significati nascosti.
Attivo tra Italia e Cina, dove ha partecipato a mostre e residenze artistiche, REBOR rappresenta la generazione più giovane presente in questa lettura del catalogo.
Un catalogo, differenti modi di collezionare
Dalla pittura antica alla fotografia contemporanea, la selezione Catawiki presenta opere che richiedono approcci differenti anche dal punto di vista collezionistico.
A emergere è soprattutto la varietà delle tipologie proposte: dipinti unici, opere su carta, incisioni e fotografie in edizione. Un insieme nel quale attribuzioni, archiviazioni, provenienze, tirature e condizioni conservative diventano elementi fondamentali per leggere correttamente ciascun lotto, al di là del nome dell’artista e della stima indicata.
